martes, 24 de febrero de 2009
Tchaikovsk
El compositor ruso eminente Pyotr Ilyich Tchaikovsky nació el 7 de mayo en 1840, Votkinsk; provincia de Viatka , en Rusia, ( Algunas personas dicen que el 7 de Marzo de 1840, otros en Abril, debido a la diferencia de calendario que se utilizaba en Rusia en esa epoca) . La primera mención de su participación con la música aparece en una carta de 1844 que informa que compuso una canción, "Mamá en Petersburg". En su casa, Tchaikovsky oyó canciones tradicionales, arias populares, y romances cantados por su madre, y por las partituras tocadas por un órgano , entre ellos extractos del Don Giovanni de Mozart. (Mozart seria para Tchaikovsky uno de sus compositores amados ). Las clases de piano, empezadas cerca de la edad de cinco, y continuadas en St. Petersburg, donde él entró internado en 1848.
Tchaikovsky era un niño demasiado sensible, irritable, y cualquier palabra que le sonara agresiva o hiriente, lo hacía reaccionar llorando desconsoladamente.
Tuvo un amor y apego a su madre casi enfermizo, y cuando lo llevaron a estudiar a otra ciudad, se dice que llorando amargamente, se aferro onloquecidamente a las ruedas del carruaje que los llevaría a él y a su hermano al internado.
Este hecho dramatico lo marco muchísimo en su vida, igual que la muerte de su madre, cuando tenía 8 años de edad. Quiza, este fuera uno de los motivos de su inspiracion a veces sombría, dramatica.
Otro gran drama en la vida de Tchaikovsky, fue su condicion de homosexual, que las mentes retrogradas, no aceptaban. Y esa condicion, lo hizo penar mucho. Pues intentaba por todos los medios, de que no se conozca tal inclinacion. Escribe a su hermano Modesto, tambien homosexual, el 10 de Octubre de 1876 escribe Tchaikovsky "hay personas que no pueden remediar el despreciarme a causa de mi vicio………. Deseo, por medio del matrimonio o de algún otro lazo público con una mujer, cerrar la boca de esas despreciables criaturas."
De 1850 a 1859 él asistió la Escuela de Jurisprudencia, donde Tchaikovsky participó en un coro realizado por Gavriil Lomakin y piano estudiando con Rudolph Kundinger y armonía conel hermano de Kundinger. Obteniendo la graduación en el Ministerio de la Justicia, Tchaikovsky continuó dedicado la música, y en 1861 él empezó las clases patrocinadas por la Sociedad rusa de la Música. El año después, Tchaikovsky dejó su trabajo y entró el Conservatorio apenas-fundado de St. Petersburg. Trabajando entusiastamente bajo la direccion de Anton Rubinstein y Nikolai Zaremba, y recibió una Medalla de Plata por su cantata de la graduación en el Schiller de Johann Freude en diciembre 1865.
Tchaikovsky le dedico su CUARTA SINFONIA.
Un día, inesperadamente, ella dejó, no solo de escribirle, sino que le retiró la pensión asignada. Cosa que no fue lo que mas dolió a Tchaikovsky, que nunca pudo tener la explicación de parte de ella, del motivo real. Se dice que una de las causas, fue descubrir que él era homosexual.
Lo suminó en una depresión inmensa, y desde ese momento, él decayó mucho. Curiosamente, o tal como lo creía Tchaikovsky, el Destino hizo que ella falleciera a los dos meses de haber muerto él.
De 1878 a 1885, Tchaikovsky vivió a veces en Rusia, a veces en Europa occidental. Su reputación creció con el Capriccio Italien (1880), la 1812 Propuesta (1880), y dos más óperas, así como la Liturgia (1878) y el Servicio Vespertino (1881). Durante sus últimos años él vivió en Moscú . En 1888 Zar Alexander III le otorgó una pensión anual.
La fama de Tchaikovsky, como tanto el Director de orquesta, como de compositor, dio como resultado de una serie de visitas internacionales, que lo llevó a los Estados Unidos en 1891. El continuó componiendo -- la Bella Durmiente de ballet (1889) y el Cascanueces (1892), el Quinto (1888), Sexto (1893), y Manfred (1885) Sinfonías, y tres óperas finales, inclusive la poderosa y teatral La Reina de Palas (1890). Los compositores más jóvenes lo emularon, entre ellos Ippolitov-Ivanov de Mikhail y, más tarde, Sergei Rachmaninoff. En noviembre. 6 (N. S.), 1893, unos pocos días después de completar su Sexta Sinfonía, Tchaikovsky murió en el St. Petersburg.
De esta sinfonia, se dice que en el último movimiento, describe su sentimiento ante su final inminente. Fue la sinfonia que mas conforme dejo a Tchaikovsky.
Aunque se dijo que Tchaikovsky murió del cólera, algunos eruditos creen que su muerte fue de hecho un suicidio, el resultado de una amenaza para revelar su enlace con un joven hidalgo ruso.
Tambien se dice que cuando el tio del alumno se enteró que Tchaikovsky tenía atracción por él, se le hizo una especie de juicio en el lugar donde daba las clases. Y según algunos historiadores, ( no se si ha sido comprobado) se lo conminó a dar a conocer publicamente su condicion de homosexual, ( que en esos tiempos era considerado como un grave pecado) o se suicidara con arsenico. quiza esto no sea más que una leyenda. Pero la realidad es que Tchaikovsky terminó bebiendo agua contaminada, y su muerte fue provocada por el cólera.
Pero lo extraño, fue que su cadaver, a pesar de morir de colera, fue expuesto publicamente, y acudieron a derle el ultimo adios miles de personas que besaban sus manos, su frente, y ninguno se contagio....
En sus Sinfonias 4a. 5a. y 6a. habla del Destino, habitando una idea que se le atribuye "No se puede huir de él. El Destino siempre nos alcanza".
Al último movimiento de la Sexta sinfonia, le han llamado con ese nombre: "Destino", pues se piensa que en él plasmó musicalmente el fin de su vida, y el inexorable alcance de ese Destino, a pesar de los pasajes, en los anteriores movimientos, de éxtasis,( Tema del primer Movimiento) de alegria de vivir, ( como en el Tercer movimiento) de "olvido" temporario de la muerte que, según Tchaikovsky tiene el hombre.
Tchaikovsky era un niño demasiado sensible, irritable, y cualquier palabra que le sonara agresiva o hiriente, lo hacía reaccionar llorando desconsoladamente.
Tuvo un amor y apego a su madre casi enfermizo, y cuando lo llevaron a estudiar a otra ciudad, se dice que llorando amargamente, se aferro onloquecidamente a las ruedas del carruaje que los llevaría a él y a su hermano al internado.
Este hecho dramatico lo marco muchísimo en su vida, igual que la muerte de su madre, cuando tenía 8 años de edad. Quiza, este fuera uno de los motivos de su inspiracion a veces sombría, dramatica.
Otro gran drama en la vida de Tchaikovsky, fue su condicion de homosexual, que las mentes retrogradas, no aceptaban. Y esa condicion, lo hizo penar mucho. Pues intentaba por todos los medios, de que no se conozca tal inclinacion. Escribe a su hermano Modesto, tambien homosexual, el 10 de Octubre de 1876 escribe Tchaikovsky "hay personas que no pueden remediar el despreciarme a causa de mi vicio………. Deseo, por medio del matrimonio o de algún otro lazo público con una mujer, cerrar la boca de esas despreciables criaturas."
De 1850 a 1859 él asistió la Escuela de Jurisprudencia, donde Tchaikovsky participó en un coro realizado por Gavriil Lomakin y piano estudiando con Rudolph Kundinger y armonía conel hermano de Kundinger. Obteniendo la graduación en el Ministerio de la Justicia, Tchaikovsky continuó dedicado la música, y en 1861 él empezó las clases patrocinadas por la Sociedad rusa de la Música. El año después, Tchaikovsky dejó su trabajo y entró el Conservatorio apenas-fundado de St. Petersburg. Trabajando entusiastamente bajo la direccion de Anton Rubinstein y Nikolai Zaremba, y recibió una Medalla de Plata por su cantata de la graduación en el Schiller de Johann Freude en diciembre 1865.
Tchaikovsky le dedico su CUARTA SINFONIA.
Un día, inesperadamente, ella dejó, no solo de escribirle, sino que le retiró la pensión asignada. Cosa que no fue lo que mas dolió a Tchaikovsky, que nunca pudo tener la explicación de parte de ella, del motivo real. Se dice que una de las causas, fue descubrir que él era homosexual.
Lo suminó en una depresión inmensa, y desde ese momento, él decayó mucho. Curiosamente, o tal como lo creía Tchaikovsky, el Destino hizo que ella falleciera a los dos meses de haber muerto él.
De 1878 a 1885, Tchaikovsky vivió a veces en Rusia, a veces en Europa occidental. Su reputación creció con el Capriccio Italien (1880), la 1812 Propuesta (1880), y dos más óperas, así como la Liturgia (1878) y el Servicio Vespertino (1881). Durante sus últimos años él vivió en Moscú . En 1888 Zar Alexander III le otorgó una pensión anual.
La fama de Tchaikovsky, como tanto el Director de orquesta, como de compositor, dio como resultado de una serie de visitas internacionales, que lo llevó a los Estados Unidos en 1891. El continuó componiendo -- la Bella Durmiente de ballet (1889) y el Cascanueces (1892), el Quinto (1888), Sexto (1893), y Manfred (1885) Sinfonías, y tres óperas finales, inclusive la poderosa y teatral La Reina de Palas (1890). Los compositores más jóvenes lo emularon, entre ellos Ippolitov-Ivanov de Mikhail y, más tarde, Sergei Rachmaninoff. En noviembre. 6 (N. S.), 1893, unos pocos días después de completar su Sexta Sinfonía, Tchaikovsky murió en el St. Petersburg.
De esta sinfonia, se dice que en el último movimiento, describe su sentimiento ante su final inminente. Fue la sinfonia que mas conforme dejo a Tchaikovsky.
Aunque se dijo que Tchaikovsky murió del cólera, algunos eruditos creen que su muerte fue de hecho un suicidio, el resultado de una amenaza para revelar su enlace con un joven hidalgo ruso.
Tambien se dice que cuando el tio del alumno se enteró que Tchaikovsky tenía atracción por él, se le hizo una especie de juicio en el lugar donde daba las clases. Y según algunos historiadores, ( no se si ha sido comprobado) se lo conminó a dar a conocer publicamente su condicion de homosexual, ( que en esos tiempos era considerado como un grave pecado) o se suicidara con arsenico. quiza esto no sea más que una leyenda. Pero la realidad es que Tchaikovsky terminó bebiendo agua contaminada, y su muerte fue provocada por el cólera.
Pero lo extraño, fue que su cadaver, a pesar de morir de colera, fue expuesto publicamente, y acudieron a derle el ultimo adios miles de personas que besaban sus manos, su frente, y ninguno se contagio....
En sus Sinfonias 4a. 5a. y 6a. habla del Destino, habitando una idea que se le atribuye "No se puede huir de él. El Destino siempre nos alcanza".
Al último movimiento de la Sexta sinfonia, le han llamado con ese nombre: "Destino", pues se piensa que en él plasmó musicalmente el fin de su vida, y el inexorable alcance de ese Destino, a pesar de los pasajes, en los anteriores movimientos, de éxtasis,( Tema del primer Movimiento) de alegria de vivir, ( como en el Tercer movimiento) de "olvido" temporario de la muerte que, según Tchaikovsky tiene el hombre.
sábado, 21 de febrero de 2009
Johann Sebastian Bach
Nació en Eisenach, Alemania, el 21 de marzo de 1685, formando parte de una familia turingia en la que muchos de sus miembros fueron músicos. El patriarca de esta familia fue Veit Bach, muerto en 1615 y el último de los nietos de Juan Sebastián, Wilhelm Friederich, maestro de capilla en la corte de Berlín, murió en 1846. Fueron padres de Juan Sebastián, Juan Ambrosio Bach y Elizabeth Lämberhirt; se educó en un medio familiar musical extraordinario, donde todo concurría a estimular sus poderosas facultades; célebres eran las reuniones de toda la familia Bach, en las que todos los componentes, eran relevantes músicos ya sea tocando o componiendo. Quedó huérfano de madre a los nueve años, y un año más tarde moría su padre, por lo que hubo de ir a vivir con su hermano mayor, Juan Cristóbal, que desempeñaba el cargo de organista en Ohrdruf, y con quien continuó sus estudios. Su pasión por la música era manifiesta; se cuenta que, en esta época, habiéndose rehusado su hermano a prestarle un libro que contenía piezas de Fröberger, Kerl y Pachelbel, se apoderó de él a escondidas y lo copió a la luz de la luna durante seis meses; se agrega que cuando ya había avanzado bastante en esta labor, fue descubierto por su propio hermano, quien, en un momento de ira, por la desobediencia del niño, destruyó el manuscrito llenando de desolación el corazón del pequeño Juan.
En 1700 Bach comenzó a ganarse la vida como miembro del coro de la iglesia de San Miguel, en Lüneburg. En 1703 pasó a ser violinista de la orquesta de cámara del príncipe Johann Ernst de Weimar, pero más tarde, ese mismo año, se fue a Arnstadt, donde se convirtió en organista de iglesia. En octubre de 1705 Bach consiguió un mes de permiso para estudiar con Dietrich Buxtehude, renombrado organista y compositor danés, aunque afincado en Alemania, quien por entonces se encontraba en Lübeck y cuya música influyó enormemente en Bach.
Esta visita le gustó tanto que prolongó su estancia un mes más de lo acordado, lo que levantó críticas por parte de las autoridades eclesiásticas, que además se quejaban de las extravagantes florituras y armonías con las que acompañaba a la congregación en sus cantos religiosos.
A pesar de todo, su arte ya era demasiado respetado como para que estas críticas pudieran desembocar en su despido. En 1707 se casó con María Bárbara Bach, prima segunda suya, y marchó a Mülhausen como organista en la iglesia de San Blasius. Al año siguiente volvió a Weimar como organista y violinista de la corte del duque Wilhelm Ernst. Allí permaneció durante los siete años siguientes, y se convirtió en concertino de la orquesta de la corte en 1714. En Weimar compuso unas 30 cantatas, incluida la conocida cantata de funeral Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit (El tiempo de Dios es el mejor), y también compuso obras para órgano y clavicémbalo. Comenzó a viajar por Alemania como virtuoso del órgano y como asesor de organeros. En 1717 Bach comenzó en un nuevo trabajo, que duró seis años, como maestro de capilla y director de música de cámara en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. Durante este periodo escribió fundamentalmente música profana para conjuntos instrumentales e instrumentos solistas. También compuso libros de música para su mujer e hijos, con el objeto de enseñarles la técnica del teclado y el arte de la música en general. Estos libros incluyen el Clave bien temperado, las Invenciones y el Pequeño libro de órgano. Un año después de que su primera mujer muriera en 1720, Bach se casó con Ana Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su anterior mujer, y lo ayudó en la labor de copiar las partituras de sus obras para los músicos que debían interpretarlas.
Bach se trasladó a Leipzig en 1723 y allí permaneció el resto de sus días. Su cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de Santo Tomás y en la escuela eclesiástica de Leipzig no le satisfacía por diversas razones: tenía disputas continuas con los miembros del consejo municipal, y ni ellos ni el pueblo apreciaban su talento musical. Lo veían como a un anciano estirado que se aferraba a formas obsoletas de música. A pesar de ello, las 202 cantatas que nos han quedado de las 295que compuso en Leipzig todavía se siguen escuchando, mientras que música que entonces parecía novedosa ha quedado en el olvido. La mayoría de las cantatas se inician con una sección de coro y orquesta, a ella sigue una alternancia de recitativos y arias para voces solistas y acompañamiento, y concluyen con un coral basado en un simple himno luterano La música está siempre muy ligada al texto, y lo ennoblece con su expresividad e intensidad espiritual. Entre estas obras destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad, formado este último por seis cantatas. Las Pasiones según san Juan y según san Mateo también están escritas durante el periodo de su estancia en Leipzig, al igual que su magnífica Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, magnífica demostración de su conocimiento contrapuntístico, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema. Bach comenzó a quedarse ciego el último año de su vida, y murió el 28 de julio de 1750, después de someterse a una fallida operación ocular.
En 1700 Bach comenzó a ganarse la vida como miembro del coro de la iglesia de San Miguel, en Lüneburg. En 1703 pasó a ser violinista de la orquesta de cámara del príncipe Johann Ernst de Weimar, pero más tarde, ese mismo año, se fue a Arnstadt, donde se convirtió en organista de iglesia. En octubre de 1705 Bach consiguió un mes de permiso para estudiar con Dietrich Buxtehude, renombrado organista y compositor danés, aunque afincado en Alemania, quien por entonces se encontraba en Lübeck y cuya música influyó enormemente en Bach.
Esta visita le gustó tanto que prolongó su estancia un mes más de lo acordado, lo que levantó críticas por parte de las autoridades eclesiásticas, que además se quejaban de las extravagantes florituras y armonías con las que acompañaba a la congregación en sus cantos religiosos.
A pesar de todo, su arte ya era demasiado respetado como para que estas críticas pudieran desembocar en su despido. En 1707 se casó con María Bárbara Bach, prima segunda suya, y marchó a Mülhausen como organista en la iglesia de San Blasius. Al año siguiente volvió a Weimar como organista y violinista de la corte del duque Wilhelm Ernst. Allí permaneció durante los siete años siguientes, y se convirtió en concertino de la orquesta de la corte en 1714. En Weimar compuso unas 30 cantatas, incluida la conocida cantata de funeral Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit (El tiempo de Dios es el mejor), y también compuso obras para órgano y clavicémbalo. Comenzó a viajar por Alemania como virtuoso del órgano y como asesor de organeros. En 1717 Bach comenzó en un nuevo trabajo, que duró seis años, como maestro de capilla y director de música de cámara en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. Durante este periodo escribió fundamentalmente música profana para conjuntos instrumentales e instrumentos solistas. También compuso libros de música para su mujer e hijos, con el objeto de enseñarles la técnica del teclado y el arte de la música en general. Estos libros incluyen el Clave bien temperado, las Invenciones y el Pequeño libro de órgano. Un año después de que su primera mujer muriera en 1720, Bach se casó con Ana Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su anterior mujer, y lo ayudó en la labor de copiar las partituras de sus obras para los músicos que debían interpretarlas.
Bach se trasladó a Leipzig en 1723 y allí permaneció el resto de sus días. Su cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de Santo Tomás y en la escuela eclesiástica de Leipzig no le satisfacía por diversas razones: tenía disputas continuas con los miembros del consejo municipal, y ni ellos ni el pueblo apreciaban su talento musical. Lo veían como a un anciano estirado que se aferraba a formas obsoletas de música. A pesar de ello, las 202 cantatas que nos han quedado de las 295que compuso en Leipzig todavía se siguen escuchando, mientras que música que entonces parecía novedosa ha quedado en el olvido. La mayoría de las cantatas se inician con una sección de coro y orquesta, a ella sigue una alternancia de recitativos y arias para voces solistas y acompañamiento, y concluyen con un coral basado en un simple himno luterano La música está siempre muy ligada al texto, y lo ennoblece con su expresividad e intensidad espiritual. Entre estas obras destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad, formado este último por seis cantatas. Las Pasiones según san Juan y según san Mateo también están escritas durante el periodo de su estancia en Leipzig, al igual que su magnífica Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, magnífica demostración de su conocimiento contrapuntístico, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema. Bach comenzó a quedarse ciego el último año de su vida, y murió el 28 de julio de 1750, después de someterse a una fallida operación ocular.
jueves, 19 de febrero de 2009
Frederic Chopin
Frederic Chopin nació en Zelazowa Wola (Varsovia, Polonia) el 1 de marzo de 1810 ( Signo de Piscis) . Su padre se llamaba Nicolas Chopin y su madreTekla Kryzanowska. Sus hermanas eran 3 : la mayor: Ludwika, y las dos menores: Isabella y Emilia, ( que, como él, falleció muy joven por la tuberculosis) de 1 y 2 años menores que Frederic. Amaba tanto la música y su espiritu era tan especial, que de escucharla, lloraba de emoción.
Chopin estudió piano con su madre, y luego con Adalbert Zywny. Pero su técnica especial la adquirió de manera autodidacta. Debuto como pianista a la edad de 8 años, el día 23 de febrero de 1818 . Continuó igualmente, y a los 13 años, estudia composición con Jozéf Elsner quien en un informe lo definió como genio, e ingreso luego en el Conservatorio de Varsovia.
Chopin era dueño de una sensibilidad muy delicada, refinada, que en ocasiones se expresa con grandes arranques de exaltacion, intentando llegar al alma de los demás, como con un grito deseperado, angustiado. Todas sus melodías, son de una gran melancolía, pero principalmente, su musica despierta el ensueño romántico, desbordante.
Incluso en su obras más veloces, Chopin, nos llena de desbordante poesía y quiere comunicar quizá, tormentos de un alma muy sensible o delicada. Fue un soñador patriótico, pero activista, colaborando para la causa, cuando fue la revolución, con una gira intensa, de conciertos, que quizá le aceleró la perdida de la vida.
Él inició una forma de composición pianística, en esos tiempos todavía ignorada. Como amaba la musica popular, sus obras tienen la distinción de la misma. Ya que se inspiró en ritmos de ella.
Amaba la música de Haendel.
En 1829 gana el Premio de Composición de la Escuela de Música de Glowna, haciendo entonces, una gira de conciertos por Berlín, Praga, Dresde y Viena. Ese mismo año conoce al gran violinista y compositor Nicolo Paganini (que tenía 47 años), del que Chopin admirará su virtuosismo y tratará de combinarlo en el piano con el colorido del folklore polaco ( al igual que le sucedio a Franz Liszt, que al conocerlo, se propuso llevar ese virtusismo y musicalidad, al piano) .
A Nicolo Paganini, le dedico el Estudio No 1 de su serie de Estudios para piano. En Viena conoce también al célebre pedagogo del piano Carl Czerny y también por estas fechas entabla relación con F. Mendelssohn.
Enamorado de una compañera de estudios, Constanza Gladkowska, se inspira en ella para componer el Adagio del Concierto no 2 .
Le escribió a Tito Woyciechowski: "para mi desgracia quizás, he encontrado mi ideal, que venero fiel y lealmente. Hace ya seis meses de esto, y a aquella con quien sueño cada noche, no le he dicho una palabra. Pensando en esa bella criatura he compuesto el "Adagio" de mi nuevo "Concerto", así como el vals (op. 71, Número 2 en re mayor) que he escrito esta mañana"
Muy tímido, no se anima a declarar su amor a Constanza y dice en una de sus cartas: "De estar enamorado, llegaré a disimular durante algunos años máz un ardor imposible de declarar hoy, desgraciadamente".
Los sucesos políticos lo obligaron a emigrar de su patria, (a la que ya nunca regresaría) A su partida, sus amigos le dieron una copa con tierra de su país. Queda en la incognita si llegó a confesar su amor a Constanza.
En 1822, terminó sus lecciones con Żywny y comenzó a tomar clases privadas con el silesiano Józef Ksawery Elsner (1769-1854), director de la Escuela Superior de Música de Varsovia; probablemente recibió irregulares pero valiosas lecciones de órgano y piano con el renombrado pianista bohemio Vilem (Wilhelm) Würfel (1791-1832). Elsner, (también amante de Bach), se encargó de perfeccionarlo en teoría musical, bajo continuo y composición.
A partir de julio de 1823 el jovencito compaginó sus estudios con Elsner con sus cursos en el Liceo de Varsovia (donde enseñaba su padre), donde ingresó al cuarto ciclo y recibió clases de literatura clásica, canto y dibujo. En 1824 pasa sus vacaciones en Szafarnia, Dobrzyń, en casa de un amigo, alumno de su padre. Allí tiene contacto por primera vez con la tierra polaca y los campesinos que la habitan y con la música folclórica de su patria. Estos breves contactos le bastarán para sembrar en su plástica mente adolescente lo que luego emergerá en la madurez de su genio. «Los artículos, las películas que muestran al joven Chopin que pasa la vida en los medios populares nos engañan doblemente. Primero, porque los hechos son inexactos. Después porque equivale a dar pruebas de una gran desconocimiento de lo que es un cerebro de artista: un paisaje iluminado por una chispa, una reacción química en la que no existe proporción alguna entre causa y efecto.»4
El 7 de julio de 1826 Frédéric completó sus estudios en el Liceo, graduándose cum laude el 27 del mismo mes. Al mes siguiente viajó por primera vez fuera de Polonia: fue con sus hermanas a descansar a Bad Reinertz (actual Duzniki-Zrdoj) en Silesia del Sur. En noviembre del mismo año se inscribió en la Escuela Superior de Música de Varsovia, entonces parte del Conservatorio de Varsovia y conectada con el Departamento de Artes de la Universidad de Varsovia. Allí continuó sus estudios con Elsner, pero no asistió a las clases de piano. Elsner, que lo conocía, comprendió su decisión, pero fue muy exigente en las materias teóricas que le enseñó, sobre todo en contrapunto. Gracias a esto, adquirió una sólida comprensión y técnica de la composición musical. En este tiempo, compuso su Sonata para piano nº 1 en do menor Op. 4, sus Variaciones sobre el aria «Là ci darem la mano» (de la ópera Don Giovanni de Mozart) para piano y orquesta Op. 2 y el Trío para violín, cello y piano Op. 8, evidentemente obras de mayor envergadura, basadas en formas clásicas (la sonata y las variaciones concertantes). Elsner escribiría en las calificaciones finales de sus estudios: "talento sorprendente y genio musical".
En marzo de 1828 el famoso compositor y pianista alemán Johann Nepomuk Hummel llegó a Varsovia a dar conciertos; Chopin tuvo ocasión de escucharlo y conocerlo. En noviembre del mismo año se produjo su segunda salida de Polonia: viajó a Berlín con el profesor Feliks Jarocki, colega de su padre, para asistir a un Congreso de Naturalistas. En esa ciudad se concentró en conocer la vida musical en Prusia, escuchó en la Academia de Canto las óperas Cortez de Gaspare Spontini, Il matrimonio segreto de Domenico Cimarosa y Le Colporteur de George Onslow, y quedó fascinado por el oratorio Cäcilienfest de Haendel. Frédéric siempre mantuvo un gran interés por la ópera, estimulado por su maestro Elsner. Tres años antes había quedado impresionado por El Barbero de Sevilla de Gioacchino Rossini. Siempre en sus viajes se dio tiempo para asistir a representaciones operísticas.
El célebre virtuoso del violín Niccolò Paganini, quien deslumbró a Chopin en 1829.
En mayo de 1829, el célebre violinista italiano Niccolò Paganini llegó a Varsovia a dar conciertos. Chopin acudió a verlo y quedó profundamente deslumbrado por su virtuosismo. Su deuda con él ha quedado patente en el Estudio para piano Op. 10 nº 1 (escuchar ▶ (ayuda•info• en ventana)), que componía por esos días.3
Su prestigio local como compositor y pianista ya traspasaba las fronteras de su patria; el violinista Rodolphe Kreutzer (destinatario de la Sonata para Violín No. 9 de Ludwig van Beethoven), Ignaz von Seyfried (discípulo de Mozart), los fabricantes de piano Stein y Graff, y el editor Hasslinger, entre otros, deseaban que el joven diese un concierto en Viena. En 1829 realizó un breve viaje a aquella ciudad, el primero como concertista en el extranjero. En dos conciertos (el 11 y el 18 de agosto) en el Teatro Kärntnertor, presentó sus Variaciones Op. 2 (de dos años antes) entre otras obras suyas. El éxito fue apoteósico y el joven compositor no salía de su asombro por la cálida aceptación de sus composiciones y su técnica interpretativa por parte del exigente público vienés. La crítica fue inmejorable, pero algunos criticaron el poco volumen que conseguía en el piano, parte de su estilo de interpretación, más adecuado al salón que a la sala de conciertos. Por otro lado, gracias al éxito de las Variaciones mozartianas, ésta se convirtió en su primera obra publicada por un editor extranjero, Haslinger, en abril de 1830.
Después de pasar por Praga, Dresde y Breslau (actual Wrocław), regresó a Varsovia, donde se enamoró de Konstancja (Konstanze) Gladkowska (1810-1880), una joven estudiante de canto del Conservatorio, que había conocido en 1828 en un concierto de estudiantes de Carl Soliva. De esta primera pasión juvenil nacieron varias obras memorables: el Vals Op. 70 nº 3 y el movimiento lento de su primer Concierto para piano y orquesta en fa menor. Sobre él reconoció a su amigo Titus Woyciechowski: Quizá desafortunadamente, tengo mi propio ideal, al que en silencio sirvo desde hace medio año, con el que sueño y en cuyo recuerdo he compuesto el Adagio de mi nuevo concierto (1829)5 Dicha obra fue estrenada en el Club de Mercaderes de Varsovia en diciembre del mismo año, y publicada posteriormente como nº 2, Op. 21. También le informaba a T. Woyciechowski: He compuesto unos pocos ejercicios; te los mostraré y tocaré pronto;6 estos «ejercicios» se convertirían en la primera serie de Estudios Op. 10. Además, componía ya sus primeros nocturnos (escuchar midi del Op. 62 n° 1, 1829) y sus Canciones para voz y piano sobre poemas de Stefan Witwicki (parte del futuro Op. 74, escuchar La plegaria de la doncella, arreglo para piano solo por Franz Liszt).
Aquel romance fue un ardiente sentimiento, mas no decisivo, pues ya estaba completamente decidido a ser un compositor y pronto decidió emprender un «viaje de estudios» por Europa. Originalmente pensó en viajar a Berlín, adonde había sido invitado por el príncipe Antoni Radziwiłł, gobernador del Gran Ducado de Posnania designado por el rey de Prusia; Chopin había sido su huésped en Antoni. Sin embargo, finalmente se decidió por Viena, para consolidar los éxitos de su primera gira. Aunque su correspondencia de este tiempo en Polonia tiene un tono de cierta melancolía, fueron tiempos felices para él, celebrado por los jóvenes poetas e intelectuales de su patria. Konstancja se casaría con otro hombre en 1830.
Chopin tocando frente a la familia aristocrática de los Radziwill.
Después de tocar varias veces su Concierto en fa menor en veladas íntimas, su fama era ya tan amplia que se le organizó un gran recital en el Teatro Nacional de Varsovia el 17 de marzo de 1830, el primero como solista en ese auditorio, que nuevamente causó sensación. En aquel tiempo trabajaba en su segundo Concierto para piano y orquesta en mi menor (posteriormente numerado como nº 1, Op. 11) que estrenó el 22 de septiembre en su casa, y comenzaba el Andante Spianato y Polonesa Op. 22. Paralelamente, se producían entonces en Varsovia unos levantamientos y asonadas que fueron severamente reprimidos y causaron muchas muertes. Estas visiones impresionaron profundamente al artista, que años después compondría en homenaje a esos manifestantes su célebre Marcha Fúnebre (incluida después en la Sonata para piano nº 2 en si bemol menor Op. 35).
Poco antes de su partida, se le organizó un concierto de despedida el 11 de octubre en el mismo gran teatro, donde, ante una gran audiencia, su amada Konstancja —«vestida toda de blanco, con una corona de rosas que le iba admirablemente», diría Chopin.3 — cantó arias de la ópera La donna del lago de Rossini. Luego él interpretó su Concierto en mi menor y su Gran Fantasía sobre Aires Polacos Op. 13. En la mazurca final, el público lo ovacionó largo rato de pie. Días después, en una taberna de Wola, sus amigos le regalaron una copa de plata con un puñado de tierra polaca en ella. Su maestro Elsner dirigió un pequeño coro que cantó una breve composición propia para la despedida: Zrodzony w polskiej krainie (Un nativo del suelo polaco). El 2 de noviembre, se marchó para perfeccionar su arte, confiando en volver pronto a su patria, pero no volvería jamás.
Fue a vivir a París en el año 1831 donde se convierte en una atracción para el ambiente musical de Paris a pesar de que ofreció escasos conciertos.
El príncipe Radzwill lo toma bajo su protección, lo presenta en los salones aristocráticos, y en esta forma Chopin se convierte en el maestro de las damas de la alta sociedad. Cultiva amistad con músicos famosos: Lizst, Rossini, Päer, Cherubini, Berlioz, etc.
En 1834 visita a los Schumann en Leipzig,y de regreso a París pasa por Dresde, donde se encuentra con la familia Wodzinski, enamorándose de María, ( y a quien dedico varias de sus obras "A Maria Wodzinska) que había sido su amiga y discípula en su infancia: ella era muy bella y culta. Al año siguiente (1836) sus relaciones se formalizan, pide su mano y obtiene el consentimiento de la madre de ella, pero en cambio su padre se opone.
Cuando la ruptura con María Wodzinska se produjo, Chopin decidio ir a Londres: allí llevaba una vida de aislamiento. Su compatriota Kozman dice: "No conoce a nadie y no quiere conocer a nadie, excepto a mi". Hiller escribe: "... Una noche tocó soberbiamente en casa de Brodwood y luego desapareció otra vez, a lo que parece está muy enfermo".
En 1936 conoce a la famosa escritora George Sand, de quien Chopin dice: "He conocido a una gran celebridad, pero su cara no me es simpática, no me ha gustado nada. Incluso hay en ella algo que me repele".
Cuando Chopin sufre el asedio de George Sand pero al fin, se enamoran
Ella influyó mucho en su obra. Tuvieron un amor tormentoso.
En 1838 junto a Sand va a vivir a la isla de Mallorca (España) ya que buscaba un clima más cálido que mejorara su enfermedad. Tiempo después de regresar a París, en 1847, rompen su relación, y la salud de Chopin se deteriora con gran rapidez desde entonces.
Fallece el dia 17 de octubre de 1949
Chopin compuso : Mazurkas, Polonesas, Scherzos, Impromptus, Sonatas, Conciertos, Estudios para piano, Barcarolas, Baladas, Nocturnos, Trío Op. 8, para piano, violín y cello, en Sol menor, Gran Fantasía sobre Melodías Polacas, Preludios, Valses
Chopin estudió piano con su madre, y luego con Adalbert Zywny. Pero su técnica especial la adquirió de manera autodidacta. Debuto como pianista a la edad de 8 años, el día 23 de febrero de 1818 . Continuó igualmente, y a los 13 años, estudia composición con Jozéf Elsner quien en un informe lo definió como genio, e ingreso luego en el Conservatorio de Varsovia.
Chopin era dueño de una sensibilidad muy delicada, refinada, que en ocasiones se expresa con grandes arranques de exaltacion, intentando llegar al alma de los demás, como con un grito deseperado, angustiado. Todas sus melodías, son de una gran melancolía, pero principalmente, su musica despierta el ensueño romántico, desbordante.
Incluso en su obras más veloces, Chopin, nos llena de desbordante poesía y quiere comunicar quizá, tormentos de un alma muy sensible o delicada. Fue un soñador patriótico, pero activista, colaborando para la causa, cuando fue la revolución, con una gira intensa, de conciertos, que quizá le aceleró la perdida de la vida.
Él inició una forma de composición pianística, en esos tiempos todavía ignorada. Como amaba la musica popular, sus obras tienen la distinción de la misma. Ya que se inspiró en ritmos de ella.
Amaba la música de Haendel.
En 1829 gana el Premio de Composición de la Escuela de Música de Glowna, haciendo entonces, una gira de conciertos por Berlín, Praga, Dresde y Viena. Ese mismo año conoce al gran violinista y compositor Nicolo Paganini (que tenía 47 años), del que Chopin admirará su virtuosismo y tratará de combinarlo en el piano con el colorido del folklore polaco ( al igual que le sucedio a Franz Liszt, que al conocerlo, se propuso llevar ese virtusismo y musicalidad, al piano) .
A Nicolo Paganini, le dedico el Estudio No 1 de su serie de Estudios para piano. En Viena conoce también al célebre pedagogo del piano Carl Czerny y también por estas fechas entabla relación con F. Mendelssohn.
Enamorado de una compañera de estudios, Constanza Gladkowska, se inspira en ella para componer el Adagio del Concierto no 2 .
Le escribió a Tito Woyciechowski: "para mi desgracia quizás, he encontrado mi ideal, que venero fiel y lealmente. Hace ya seis meses de esto, y a aquella con quien sueño cada noche, no le he dicho una palabra. Pensando en esa bella criatura he compuesto el "Adagio" de mi nuevo "Concerto", así como el vals (op. 71, Número 2 en re mayor) que he escrito esta mañana"
Muy tímido, no se anima a declarar su amor a Constanza y dice en una de sus cartas: "De estar enamorado, llegaré a disimular durante algunos años máz un ardor imposible de declarar hoy, desgraciadamente".
Los sucesos políticos lo obligaron a emigrar de su patria, (a la que ya nunca regresaría) A su partida, sus amigos le dieron una copa con tierra de su país. Queda en la incognita si llegó a confesar su amor a Constanza.
En 1822, terminó sus lecciones con Żywny y comenzó a tomar clases privadas con el silesiano Józef Ksawery Elsner (1769-1854), director de la Escuela Superior de Música de Varsovia; probablemente recibió irregulares pero valiosas lecciones de órgano y piano con el renombrado pianista bohemio Vilem (Wilhelm) Würfel (1791-1832). Elsner, (también amante de Bach), se encargó de perfeccionarlo en teoría musical, bajo continuo y composición.
A partir de julio de 1823 el jovencito compaginó sus estudios con Elsner con sus cursos en el Liceo de Varsovia (donde enseñaba su padre), donde ingresó al cuarto ciclo y recibió clases de literatura clásica, canto y dibujo. En 1824 pasa sus vacaciones en Szafarnia, Dobrzyń, en casa de un amigo, alumno de su padre. Allí tiene contacto por primera vez con la tierra polaca y los campesinos que la habitan y con la música folclórica de su patria. Estos breves contactos le bastarán para sembrar en su plástica mente adolescente lo que luego emergerá en la madurez de su genio. «Los artículos, las películas que muestran al joven Chopin que pasa la vida en los medios populares nos engañan doblemente. Primero, porque los hechos son inexactos. Después porque equivale a dar pruebas de una gran desconocimiento de lo que es un cerebro de artista: un paisaje iluminado por una chispa, una reacción química en la que no existe proporción alguna entre causa y efecto.»4
El 7 de julio de 1826 Frédéric completó sus estudios en el Liceo, graduándose cum laude el 27 del mismo mes. Al mes siguiente viajó por primera vez fuera de Polonia: fue con sus hermanas a descansar a Bad Reinertz (actual Duzniki-Zrdoj) en Silesia del Sur. En noviembre del mismo año se inscribió en la Escuela Superior de Música de Varsovia, entonces parte del Conservatorio de Varsovia y conectada con el Departamento de Artes de la Universidad de Varsovia. Allí continuó sus estudios con Elsner, pero no asistió a las clases de piano. Elsner, que lo conocía, comprendió su decisión, pero fue muy exigente en las materias teóricas que le enseñó, sobre todo en contrapunto. Gracias a esto, adquirió una sólida comprensión y técnica de la composición musical. En este tiempo, compuso su Sonata para piano nº 1 en do menor Op. 4, sus Variaciones sobre el aria «Là ci darem la mano» (de la ópera Don Giovanni de Mozart) para piano y orquesta Op. 2 y el Trío para violín, cello y piano Op. 8, evidentemente obras de mayor envergadura, basadas en formas clásicas (la sonata y las variaciones concertantes). Elsner escribiría en las calificaciones finales de sus estudios: "talento sorprendente y genio musical".
En marzo de 1828 el famoso compositor y pianista alemán Johann Nepomuk Hummel llegó a Varsovia a dar conciertos; Chopin tuvo ocasión de escucharlo y conocerlo. En noviembre del mismo año se produjo su segunda salida de Polonia: viajó a Berlín con el profesor Feliks Jarocki, colega de su padre, para asistir a un Congreso de Naturalistas. En esa ciudad se concentró en conocer la vida musical en Prusia, escuchó en la Academia de Canto las óperas Cortez de Gaspare Spontini, Il matrimonio segreto de Domenico Cimarosa y Le Colporteur de George Onslow, y quedó fascinado por el oratorio Cäcilienfest de Haendel. Frédéric siempre mantuvo un gran interés por la ópera, estimulado por su maestro Elsner. Tres años antes había quedado impresionado por El Barbero de Sevilla de Gioacchino Rossini. Siempre en sus viajes se dio tiempo para asistir a representaciones operísticas.
El célebre virtuoso del violín Niccolò Paganini, quien deslumbró a Chopin en 1829.
En mayo de 1829, el célebre violinista italiano Niccolò Paganini llegó a Varsovia a dar conciertos. Chopin acudió a verlo y quedó profundamente deslumbrado por su virtuosismo. Su deuda con él ha quedado patente en el Estudio para piano Op. 10 nº 1 (escuchar ▶ (ayuda•info• en ventana)), que componía por esos días.3
Su prestigio local como compositor y pianista ya traspasaba las fronteras de su patria; el violinista Rodolphe Kreutzer (destinatario de la Sonata para Violín No. 9 de Ludwig van Beethoven), Ignaz von Seyfried (discípulo de Mozart), los fabricantes de piano Stein y Graff, y el editor Hasslinger, entre otros, deseaban que el joven diese un concierto en Viena. En 1829 realizó un breve viaje a aquella ciudad, el primero como concertista en el extranjero. En dos conciertos (el 11 y el 18 de agosto) en el Teatro Kärntnertor, presentó sus Variaciones Op. 2 (de dos años antes) entre otras obras suyas. El éxito fue apoteósico y el joven compositor no salía de su asombro por la cálida aceptación de sus composiciones y su técnica interpretativa por parte del exigente público vienés. La crítica fue inmejorable, pero algunos criticaron el poco volumen que conseguía en el piano, parte de su estilo de interpretación, más adecuado al salón que a la sala de conciertos. Por otro lado, gracias al éxito de las Variaciones mozartianas, ésta se convirtió en su primera obra publicada por un editor extranjero, Haslinger, en abril de 1830.
Después de pasar por Praga, Dresde y Breslau (actual Wrocław), regresó a Varsovia, donde se enamoró de Konstancja (Konstanze) Gladkowska (1810-1880), una joven estudiante de canto del Conservatorio, que había conocido en 1828 en un concierto de estudiantes de Carl Soliva. De esta primera pasión juvenil nacieron varias obras memorables: el Vals Op. 70 nº 3 y el movimiento lento de su primer Concierto para piano y orquesta en fa menor. Sobre él reconoció a su amigo Titus Woyciechowski: Quizá desafortunadamente, tengo mi propio ideal, al que en silencio sirvo desde hace medio año, con el que sueño y en cuyo recuerdo he compuesto el Adagio de mi nuevo concierto (1829)5 Dicha obra fue estrenada en el Club de Mercaderes de Varsovia en diciembre del mismo año, y publicada posteriormente como nº 2, Op. 21. También le informaba a T. Woyciechowski: He compuesto unos pocos ejercicios; te los mostraré y tocaré pronto;6 estos «ejercicios» se convertirían en la primera serie de Estudios Op. 10. Además, componía ya sus primeros nocturnos (escuchar midi del Op. 62 n° 1, 1829) y sus Canciones para voz y piano sobre poemas de Stefan Witwicki (parte del futuro Op. 74, escuchar La plegaria de la doncella, arreglo para piano solo por Franz Liszt).
Aquel romance fue un ardiente sentimiento, mas no decisivo, pues ya estaba completamente decidido a ser un compositor y pronto decidió emprender un «viaje de estudios» por Europa. Originalmente pensó en viajar a Berlín, adonde había sido invitado por el príncipe Antoni Radziwiłł, gobernador del Gran Ducado de Posnania designado por el rey de Prusia; Chopin había sido su huésped en Antoni. Sin embargo, finalmente se decidió por Viena, para consolidar los éxitos de su primera gira. Aunque su correspondencia de este tiempo en Polonia tiene un tono de cierta melancolía, fueron tiempos felices para él, celebrado por los jóvenes poetas e intelectuales de su patria. Konstancja se casaría con otro hombre en 1830.
Chopin tocando frente a la familia aristocrática de los Radziwill.
Después de tocar varias veces su Concierto en fa menor en veladas íntimas, su fama era ya tan amplia que se le organizó un gran recital en el Teatro Nacional de Varsovia el 17 de marzo de 1830, el primero como solista en ese auditorio, que nuevamente causó sensación. En aquel tiempo trabajaba en su segundo Concierto para piano y orquesta en mi menor (posteriormente numerado como nº 1, Op. 11) que estrenó el 22 de septiembre en su casa, y comenzaba el Andante Spianato y Polonesa Op. 22. Paralelamente, se producían entonces en Varsovia unos levantamientos y asonadas que fueron severamente reprimidos y causaron muchas muertes. Estas visiones impresionaron profundamente al artista, que años después compondría en homenaje a esos manifestantes su célebre Marcha Fúnebre (incluida después en la Sonata para piano nº 2 en si bemol menor Op. 35).
Poco antes de su partida, se le organizó un concierto de despedida el 11 de octubre en el mismo gran teatro, donde, ante una gran audiencia, su amada Konstancja —«vestida toda de blanco, con una corona de rosas que le iba admirablemente», diría Chopin.3 — cantó arias de la ópera La donna del lago de Rossini. Luego él interpretó su Concierto en mi menor y su Gran Fantasía sobre Aires Polacos Op. 13. En la mazurca final, el público lo ovacionó largo rato de pie. Días después, en una taberna de Wola, sus amigos le regalaron una copa de plata con un puñado de tierra polaca en ella. Su maestro Elsner dirigió un pequeño coro que cantó una breve composición propia para la despedida: Zrodzony w polskiej krainie (Un nativo del suelo polaco). El 2 de noviembre, se marchó para perfeccionar su arte, confiando en volver pronto a su patria, pero no volvería jamás.
Fue a vivir a París en el año 1831 donde se convierte en una atracción para el ambiente musical de Paris a pesar de que ofreció escasos conciertos.
El príncipe Radzwill lo toma bajo su protección, lo presenta en los salones aristocráticos, y en esta forma Chopin se convierte en el maestro de las damas de la alta sociedad. Cultiva amistad con músicos famosos: Lizst, Rossini, Päer, Cherubini, Berlioz, etc.
En 1834 visita a los Schumann en Leipzig,y de regreso a París pasa por Dresde, donde se encuentra con la familia Wodzinski, enamorándose de María, ( y a quien dedico varias de sus obras "A Maria Wodzinska) que había sido su amiga y discípula en su infancia: ella era muy bella y culta. Al año siguiente (1836) sus relaciones se formalizan, pide su mano y obtiene el consentimiento de la madre de ella, pero en cambio su padre se opone.
Cuando la ruptura con María Wodzinska se produjo, Chopin decidio ir a Londres: allí llevaba una vida de aislamiento. Su compatriota Kozman dice: "No conoce a nadie y no quiere conocer a nadie, excepto a mi". Hiller escribe: "... Una noche tocó soberbiamente en casa de Brodwood y luego desapareció otra vez, a lo que parece está muy enfermo".
En 1936 conoce a la famosa escritora George Sand, de quien Chopin dice: "He conocido a una gran celebridad, pero su cara no me es simpática, no me ha gustado nada. Incluso hay en ella algo que me repele".
Cuando Chopin sufre el asedio de George Sand pero al fin, se enamoran
Ella influyó mucho en su obra. Tuvieron un amor tormentoso.
En 1838 junto a Sand va a vivir a la isla de Mallorca (España) ya que buscaba un clima más cálido que mejorara su enfermedad. Tiempo después de regresar a París, en 1847, rompen su relación, y la salud de Chopin se deteriora con gran rapidez desde entonces.
Fallece el dia 17 de octubre de 1949
Chopin compuso : Mazurkas, Polonesas, Scherzos, Impromptus, Sonatas, Conciertos, Estudios para piano, Barcarolas, Baladas, Nocturnos, Trío Op. 8, para piano, violín y cello, en Sol menor, Gran Fantasía sobre Melodías Polacas, Preludios, Valses
sábado, 14 de febrero de 2009
Niccoló Paganini
Compositor italiano y virtuoso del violín. Nació en Génova, donde estudió con músicos locales. Sus padres fueron Antonio Paganini y Teresa Bocciardo. Empezó a estudiar la mandolina con su padre con cinco años. Con siete años comenzó a tocar el violín. Hizo su primera aparición pública a los nueve años y realizó una gira por varias ciudades de Lombardía a los trece. No obstante, hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín. Tuvo como maestros a Giovanni Servetto y Alessandro Rolla. Con dieciséis años era ya conocido pero no digirió bien el éxito y se convirtió en un jugador que continuamente se emborrachaba. Una dama desconocida lo salvó de esta silenciosa (licenciosa, o libertina) y perjudicial vida para llevarlos a su villa en donde aprendió a tocar la guitarra.
En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros instrumentos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón. En 1813 abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció al pianista y compositor húngaro Franz Liszt, que, fascinado por su técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En 1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca la interpretó. Renunció a las giras en 1834.
Fue además tutor del violinista italiano Antonio Bazzini, a quien motivó para que iniciara su carrera como concertista. Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez su apariencia se notaba algo extraña y sus adelantos musicales eran una verdadera obra de arte. Se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "Nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas de violín (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban. Además en la mayoría de sus espectáculos usaba la improvisación. Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis conciertos y varias sonatas. Además creó numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la guitarra, exactamente 200 piezas
En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros instrumentos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón. En 1813 abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció al pianista y compositor húngaro Franz Liszt, que, fascinado por su técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En 1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca la interpretó. Renunció a las giras en 1834.
Fue además tutor del violinista italiano Antonio Bazzini, a quien motivó para que iniciara su carrera como concertista. Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez su apariencia se notaba algo extraña y sus adelantos musicales eran una verdadera obra de arte. Se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "Nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas de violín (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban. Además en la mayoría de sus espectáculos usaba la improvisación. Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis conciertos y varias sonatas. Además creó numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la guitarra, exactamente 200 piezas
jueves, 12 de febrero de 2009
Biografia de Mozart
Compositor austríaco. Hijo de Ana María Pertf y de Leopoldo Mozart, maestro de capilla y compositor de cierta categoría, se distinguió muy pronto como un auténtico niño prodigio y antes de los cinco años interpretaba compases de algunas piezas y realizó su primera composición. El clavecín, el violín y el piano fueron pronto instrumentos sin ningún misterio para el pequeño. Su padre fue el primero y más aplicado maestro que tuvo.
En el año 1762, toda la familia viaja a Munich. Nannerl, su hermana, y Amadeo debutaron en público como intérpretes en el palacio del príncipe elector, a lo que siguió una especie de gira por las más ilustres casas de las más aristocráticas familias de Munich. Después de siete meses de estudio casi exhaustivo marcharon a Viena iniciando una importante peregrinación artística. El Emperador Francisco I quedó maravillado ante el pequeño Mozart.
Al año siguiente, la gira se reemprendió. Las más importantes personalidades de Munich, Ulm, Schwetzingen, Heidelberg, Maguncia, Francfort, Bonn, Colonia, Lieja, etc., se deleitaron y se maravillaron con los conciertos de los hermanos Mozart. En Bruselas, a los siete años de edad, Wolfgang Amadeo compuso su primera sonata. El 18 de noviembre de 1763 llegaban a París y, tras la presentación ante el barón Grimm, Leopoldo Mozart se abrió camino hacia la corte de Versalles; los dos hermanos interpretaron para Luis XV y esto supuso el requerimiento de los más distinguidos auditorios parisinos.
La siguiente etapa del viaje fue Londres, donde interpretó para Jorge III y Carlota-Sofía. Conoció allí a Juan-Cristian Bach, a Manzuoli, de quien recibió lecciones de canto, y escuchó por vez primera composiciones de Händel, enriqueciendo con todo ello su formación musical. En la capital inglesa compuso sus primeras sinfonías.
En 1767 viajó de nuevo a Roma. Su acogida fue esta vez menos calurosa debido al efecto que las envidias comenzaban a producir; compuso una ópera y las intrigas impidieron su estreno. A «La finta semplice» siguieron la ópera «Bastien und Bastienne» y su «Misa Solemne».
En 1769 Mozart recibió el cargo de concertmeister del príncipe arzobispo de Salzburgo Segismundo de Scharttenbach. Ese mismo año partió con su padre para Italia, triunfando en cuantas ciudades hacían escala. Durante su estancia en Roma asistió a las audiciones del «Miserere», de Allegri, en la Capilla Sixtina. Dicha pieza sólo podía escucharse en el Vaticano, pues allí se conservaba la única copia y los cantantes no podían repetir en el exterior ni una sola nota bajo pena de excomunión. Mozart retuvo y recompuso la pieza completa tras la primera audición y la corrigió con la segunda (sólo se entonaba el «Miserere» dos veces al año, en Semana Santa). El pequeño Wolfgang, pese a estar expuesto a una severa reprimenda, recibió del Pontífice Clemente XIV el título de Caballero de la Orden de la Espuela de Oro. Tres meses después, tras un difícil examen, ingresaba como miembro en la Accademia dei Filamornici, de Bolonia.
En 1770 estrenó en Milán la ópera «Mitrídate, rey del Ponto» y en marzo del año siguiente regresó a Salzburgo. Hasta 1777 su trabajo como compositor es muy intenso. Cuando cuenta 20 años decide renunciar a su cargo, huyendo de la opresión a que se veía sometido y marcha con su madre a Munich, en busca de un puesto en el que realizar su trabajo con variedad de posibilidades. Ni allí, ni en Augsburgo, ni en Mannheim tuvieron suerte. En esta ciudad Mozart dio lecciones de canto y piano a las hijas de un copista de música llamado Fridolin Weber, para ganarse el sustento, y se enamoró de Eloisa, la mayor de sus discípulas. Por seguir buscando un empleo, marcharon a París, donde, pese a sus pasados éxitos, no consiguió lo que buscaba.
Dio algunos conciertos y continuó su actividad creadora, pero finalmente hubo de regresar a Salzburgo, pidiendo el favor de ser readmitido en su antiguo cargo. Al año siguiente, escribió la ópera «Idomeneo, rey de Creta» que se estrenó el 29 de enero de 1781 en Munich, ante Carlos Teodoro, elector de Baviera. Poco después, ante la inflexibilidad de su superior, el prelado Colloredo, dimitió de su cargo y marchó a Viena, donde encontró a la familia Weber. La señora Weber mantenía una pensión desde la muerte de su marido y Eloisa se había casado con un actor. Mozart entabló relaciones con Constanza, su antigua discípula también. Finalmente, contrajo matrimonio con ella.
Su producción fue más intensa a partir de entonces y también superior en calidad. En 1785, concluyó «Las bodas de Fígaro», cuyo éxito en Praga fue motivo de un contrato con un empresario checo. Mozart escribió «Don Juan» y Praga le proclamó el más genial músico de su tiempo. Su situación económica no mejoraba, en cambio. En Viena obtuvo el puesto de compositor de Cámara del Emperador José II y, en 1789, emprendió un viaje artístico acompañando al príncipe Lichnowski. Praga, Dresde, Leipzig, Berlín.. fueron, entre otras, las ciudades de su recorrido. De regreso, compuso «Cosi fan tutte». La miseria rondaba el hogar de los Mozart y Amadeo empezaba a sentirse enfermo. Concluyó «La Clemenza de Tito» y «La Flauta Mágica», y a la edad de 36 años moría víctima del agotamiento y la enfermedad. En el bicentenario de su muerte se prepararon numerosos festejos
En el año 1762, toda la familia viaja a Munich. Nannerl, su hermana, y Amadeo debutaron en público como intérpretes en el palacio del príncipe elector, a lo que siguió una especie de gira por las más ilustres casas de las más aristocráticas familias de Munich. Después de siete meses de estudio casi exhaustivo marcharon a Viena iniciando una importante peregrinación artística. El Emperador Francisco I quedó maravillado ante el pequeño Mozart.
Al año siguiente, la gira se reemprendió. Las más importantes personalidades de Munich, Ulm, Schwetzingen, Heidelberg, Maguncia, Francfort, Bonn, Colonia, Lieja, etc., se deleitaron y se maravillaron con los conciertos de los hermanos Mozart. En Bruselas, a los siete años de edad, Wolfgang Amadeo compuso su primera sonata. El 18 de noviembre de 1763 llegaban a París y, tras la presentación ante el barón Grimm, Leopoldo Mozart se abrió camino hacia la corte de Versalles; los dos hermanos interpretaron para Luis XV y esto supuso el requerimiento de los más distinguidos auditorios parisinos.
La siguiente etapa del viaje fue Londres, donde interpretó para Jorge III y Carlota-Sofía. Conoció allí a Juan-Cristian Bach, a Manzuoli, de quien recibió lecciones de canto, y escuchó por vez primera composiciones de Händel, enriqueciendo con todo ello su formación musical. En la capital inglesa compuso sus primeras sinfonías.
En 1767 viajó de nuevo a Roma. Su acogida fue esta vez menos calurosa debido al efecto que las envidias comenzaban a producir; compuso una ópera y las intrigas impidieron su estreno. A «La finta semplice» siguieron la ópera «Bastien und Bastienne» y su «Misa Solemne».
En 1769 Mozart recibió el cargo de concertmeister del príncipe arzobispo de Salzburgo Segismundo de Scharttenbach. Ese mismo año partió con su padre para Italia, triunfando en cuantas ciudades hacían escala. Durante su estancia en Roma asistió a las audiciones del «Miserere», de Allegri, en la Capilla Sixtina. Dicha pieza sólo podía escucharse en el Vaticano, pues allí se conservaba la única copia y los cantantes no podían repetir en el exterior ni una sola nota bajo pena de excomunión. Mozart retuvo y recompuso la pieza completa tras la primera audición y la corrigió con la segunda (sólo se entonaba el «Miserere» dos veces al año, en Semana Santa). El pequeño Wolfgang, pese a estar expuesto a una severa reprimenda, recibió del Pontífice Clemente XIV el título de Caballero de la Orden de la Espuela de Oro. Tres meses después, tras un difícil examen, ingresaba como miembro en la Accademia dei Filamornici, de Bolonia.
En 1770 estrenó en Milán la ópera «Mitrídate, rey del Ponto» y en marzo del año siguiente regresó a Salzburgo. Hasta 1777 su trabajo como compositor es muy intenso. Cuando cuenta 20 años decide renunciar a su cargo, huyendo de la opresión a que se veía sometido y marcha con su madre a Munich, en busca de un puesto en el que realizar su trabajo con variedad de posibilidades. Ni allí, ni en Augsburgo, ni en Mannheim tuvieron suerte. En esta ciudad Mozart dio lecciones de canto y piano a las hijas de un copista de música llamado Fridolin Weber, para ganarse el sustento, y se enamoró de Eloisa, la mayor de sus discípulas. Por seguir buscando un empleo, marcharon a París, donde, pese a sus pasados éxitos, no consiguió lo que buscaba.
Dio algunos conciertos y continuó su actividad creadora, pero finalmente hubo de regresar a Salzburgo, pidiendo el favor de ser readmitido en su antiguo cargo. Al año siguiente, escribió la ópera «Idomeneo, rey de Creta» que se estrenó el 29 de enero de 1781 en Munich, ante Carlos Teodoro, elector de Baviera. Poco después, ante la inflexibilidad de su superior, el prelado Colloredo, dimitió de su cargo y marchó a Viena, donde encontró a la familia Weber. La señora Weber mantenía una pensión desde la muerte de su marido y Eloisa se había casado con un actor. Mozart entabló relaciones con Constanza, su antigua discípula también. Finalmente, contrajo matrimonio con ella.
Su producción fue más intensa a partir de entonces y también superior en calidad. En 1785, concluyó «Las bodas de Fígaro», cuyo éxito en Praga fue motivo de un contrato con un empresario checo. Mozart escribió «Don Juan» y Praga le proclamó el más genial músico de su tiempo. Su situación económica no mejoraba, en cambio. En Viena obtuvo el puesto de compositor de Cámara del Emperador José II y, en 1789, emprendió un viaje artístico acompañando al príncipe Lichnowski. Praga, Dresde, Leipzig, Berlín.. fueron, entre otras, las ciudades de su recorrido. De regreso, compuso «Cosi fan tutte». La miseria rondaba el hogar de los Mozart y Amadeo empezaba a sentirse enfermo. Concluyó «La Clemenza de Tito» y «La Flauta Mágica», y a la edad de 36 años moría víctima del agotamiento y la enfermedad. En el bicentenario de su muerte se prepararon numerosos festejos
martes, 10 de febrero de 2009
Antonio Vivaldi Violin Concerto In A, Rv 347 - Iii Allegro
Escucha este gran Concierto de Antonio Vivaldi.
Los Conciertos de Vivaldi son uno de los mas interesantes que existe bueno en lo personal yo como violinista espero que lo disfrutes
Antonio Vivaldi
Antonio Lucio Vivaldi nacio en Venecia el 4 de marzo de 1678. Allí estudio violín con su padre, Giovanni Battista Vivaldi, destacado violinista de la época, padeciendo de asma desde la infancia.
En 1703 es ordenado sacerdote, pero no siempre puede cumplir con sus obligaciones debido a su afección respiratoria aunque fue común en la época acusar a Vivaldi de abandonar el oficio de la Misa por atender su inspiración.
Hombre vanidoso y obsesionado por el dinero, entra curiosamente como Profesor de Violín en el Hospicio de la Pietá impartiendo clases a niñas huérfanas, llegando a ser en 1716 Maestro de Concerti de Venecia. Dos años después, 1718, se traslada a Mantua donde es nombrado Maestro de Capella, puesto que mantiene hasta 1720.
Su opus 8, Il Cimento dell'Armonia e del'Inventione aparece en 1725, obra en la que destacan sus cuatro primeros conciertos conocidos como Las Estaciones.
Entre 1729 y 1733 viaja por toda Italia llegando incluso a Praga, volviendo a ocupar el cargo de maestro de Capella en la Pietá.
Vivaldi moría en Viena el 26 ó 27 de julio de 1741 en extrañas circunstancias. Había dedicado su vida a tres aspectos relacionados con la música: como pedagogo consiguió una alta capacitación de la orquesta de la Pietá, así como la formación de discípulos que trasmitieron sus obras y su técnica instrumental por toda Europa; como compositor, dejó un legado de más de 500 obras, de una calidad que reconoció rápidamente J.S. Bach, y como empresario, tomó a su cargo la responsabilidad económica de muchas obras propias y ajenas.
Durante su vida fue más conocido como violinista que como compositor, siendo rápidamente acusado de repetitivo y rutinario. Su redescubrimiento no acontece hasta el comienzo del s. XX No obstante fue el primer compositor en utilizar profusamente la técnica del ritornello y convertir la estructura en 3 movimientos en el estandar de los conciertos, dejándo escritos más de 230 conciertos para violín en los que destacan sus orquestaciones y sus efectos coloristas para la orquesta. Su obra de cámara, sin embargo, es más conservadora.
El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. En 1699 fue ordenado subdiácono (4 de abril), luego diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, logró que se dispensara de decir misa por razones de salud.
La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas -según dicen algunos- por la figura paterna[cita requerida]:
La primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: L'estro armonico en 1711, seguido de La Stravaganza en 1714. Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus opus en Londres y París.
Caricatura de Vivaldi Il prete rosso de Pier Leone Ghezzi (1723)
La segunda etapa fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de ciertos instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución, que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes. El nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de los importantes apoyos de los que gozaba y de la fama de compositor, fundada sin duda en la difusión manuscrita de sus obras antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su formidable celebridad como prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su renombre como compositor en Venecia e Italia. Vivaldi realizó en la Pietà a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo.
La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en la que cosechó grandes éxitos. En esta etapa conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in villa, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant’ Angelo y San Moise. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes, que imponían el stile nuovo atacando frontalmente al stile antico elogiado por los conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas. Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Händel los contratara en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como "impresario" en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o uniéndolas a sus propias producciones.
Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Francfort, Johann Friedrich Armand von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant’ Angelo en 1715, nos ofrecen un vívido testimonio de este periodo de frenética actividad. Aquel aficionado ilustrado critica en sus notas los decorados y el vestuario, y admira a los cantantes diciendo que “fueron incomparables y no desmerecieron en nada de los del gran teatro”, es decir, el de S. Giovanni Grisostomo. Pero sobre todo se muestra estupefacto por Vivaldi, que le fascina con sus prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles.” La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y estrategia comercial.
La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, "La vittoria navale", interpretado en Vicenza en junio de 1713.
Entre 1718 y 1722 trabajó para el príncipe de Mantua y, más tarde, comenzó un período de viajes por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas. En 1740 se trasladó a Viena, donde murió un año más tarde sin recursos económicos.
Una de sus obras más conocidas son los primeros 4 de los 12 conciertos para violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione (El Cimiento de la Armonía y la Invención), conciertos que fueron conocidos luego como Las cuatro estaciones.
Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica. Sin embargo, no todos los músicos se mostraron tan entusiasmados con las obras del compositor italiano. Ígor Stravinski dijo de forma provocativa que Vivaldi "no había escrito cientos de conciertos, sino un único concierto repetido cientos de veces". Pero es precisamente, debido al establecimiento de la estructura del concierto con solista por parte de Vivialdi, que su desarrollo culminó con los Conciertos de Brandeburgo de J.S. Bach.
Al morir en Viena cae en el olvido, y es tanta la ingratitud que Italia tuvo con él, que no aparece en los libros de música de la época.
En el siglo XX volvió a aparecer el interés por la obra de Vivaldi. Mencionemos a Antonio Fanna, Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian y en especial Alfred Einstein, quienes han difundido, editado y grabado en disco las obras de Vivaldi, muchas veces partiendo de manuscritos originales del compositor
En 1703 es ordenado sacerdote, pero no siempre puede cumplir con sus obligaciones debido a su afección respiratoria aunque fue común en la época acusar a Vivaldi de abandonar el oficio de la Misa por atender su inspiración.
Hombre vanidoso y obsesionado por el dinero, entra curiosamente como Profesor de Violín en el Hospicio de la Pietá impartiendo clases a niñas huérfanas, llegando a ser en 1716 Maestro de Concerti de Venecia. Dos años después, 1718, se traslada a Mantua donde es nombrado Maestro de Capella, puesto que mantiene hasta 1720.
Su opus 8, Il Cimento dell'Armonia e del'Inventione aparece en 1725, obra en la que destacan sus cuatro primeros conciertos conocidos como Las Estaciones.
Entre 1729 y 1733 viaja por toda Italia llegando incluso a Praga, volviendo a ocupar el cargo de maestro de Capella en la Pietá.
Vivaldi moría en Viena el 26 ó 27 de julio de 1741 en extrañas circunstancias. Había dedicado su vida a tres aspectos relacionados con la música: como pedagogo consiguió una alta capacitación de la orquesta de la Pietá, así como la formación de discípulos que trasmitieron sus obras y su técnica instrumental por toda Europa; como compositor, dejó un legado de más de 500 obras, de una calidad que reconoció rápidamente J.S. Bach, y como empresario, tomó a su cargo la responsabilidad económica de muchas obras propias y ajenas.
Durante su vida fue más conocido como violinista que como compositor, siendo rápidamente acusado de repetitivo y rutinario. Su redescubrimiento no acontece hasta el comienzo del s. XX No obstante fue el primer compositor en utilizar profusamente la técnica del ritornello y convertir la estructura en 3 movimientos en el estandar de los conciertos, dejándo escritos más de 230 conciertos para violín en los que destacan sus orquestaciones y sus efectos coloristas para la orquesta. Su obra de cámara, sin embargo, es más conservadora.
El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. En 1699 fue ordenado subdiácono (4 de abril), luego diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, logró que se dispensara de decir misa por razones de salud.
La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas -según dicen algunos- por la figura paterna[cita requerida]:
La primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: L'estro armonico en 1711, seguido de La Stravaganza en 1714. Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus opus en Londres y París.
Caricatura de Vivaldi Il prete rosso de Pier Leone Ghezzi (1723)
La segunda etapa fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de ciertos instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución, que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes. El nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de los importantes apoyos de los que gozaba y de la fama de compositor, fundada sin duda en la difusión manuscrita de sus obras antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su formidable celebridad como prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su renombre como compositor en Venecia e Italia. Vivaldi realizó en la Pietà a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo.
La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en la que cosechó grandes éxitos. En esta etapa conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in villa, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant’ Angelo y San Moise. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes, que imponían el stile nuovo atacando frontalmente al stile antico elogiado por los conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas. Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Händel los contratara en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como "impresario" en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o uniéndolas a sus propias producciones.
Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Francfort, Johann Friedrich Armand von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant’ Angelo en 1715, nos ofrecen un vívido testimonio de este periodo de frenética actividad. Aquel aficionado ilustrado critica en sus notas los decorados y el vestuario, y admira a los cantantes diciendo que “fueron incomparables y no desmerecieron en nada de los del gran teatro”, es decir, el de S. Giovanni Grisostomo. Pero sobre todo se muestra estupefacto por Vivaldi, que le fascina con sus prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles.” La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y estrategia comercial.
La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, "La vittoria navale", interpretado en Vicenza en junio de 1713.
Entre 1718 y 1722 trabajó para el príncipe de Mantua y, más tarde, comenzó un período de viajes por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas. En 1740 se trasladó a Viena, donde murió un año más tarde sin recursos económicos.
Una de sus obras más conocidas son los primeros 4 de los 12 conciertos para violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione (El Cimiento de la Armonía y la Invención), conciertos que fueron conocidos luego como Las cuatro estaciones.
Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica. Sin embargo, no todos los músicos se mostraron tan entusiasmados con las obras del compositor italiano. Ígor Stravinski dijo de forma provocativa que Vivaldi "no había escrito cientos de conciertos, sino un único concierto repetido cientos de veces". Pero es precisamente, debido al establecimiento de la estructura del concierto con solista por parte de Vivialdi, que su desarrollo culminó con los Conciertos de Brandeburgo de J.S. Bach.
Al morir en Viena cae en el olvido, y es tanta la ingratitud que Italia tuvo con él, que no aparece en los libros de música de la época.
En el siglo XX volvió a aparecer el interés por la obra de Vivaldi. Mencionemos a Antonio Fanna, Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian y en especial Alfred Einstein, quienes han difundido, editado y grabado en disco las obras de Vivaldi, muchas veces partiendo de manuscritos originales del compositor
jueves, 5 de febrero de 2009
Biografia de Van Beethoven
Beethoven nació en la corte provincial de la ciudad de Bonn, Alemania, probablemente el 16 de Diciembre de 1770. Su abuelo, también Ludwig, y su padre, Johann, fueron los dos, músicos al servico de, sucesivamente, los príncipes electores Max Friedrich y Max Franz. Beethoven poseía un talento tal que a la edad de 12 ya era asistente al organista Christian Gottlob Neefe, con quién estudió . Los intentos para establecerlo como un niño prodigio al modelo de Mozart tuvieron poco éxito, sin embargo.
En 1787 Beethoven fué enviado a Viena, pero su madre cayó enferma, y tuvo que volver a Bonn casi inmediatamente. Ella murió unos meses después, y en 1789 el mismo Beethoven pidió que su padre alcohólico se retirara, un hecho que lo dejó responsable por sus hermanos menores Caspar Carl y Nikolaus Johann. Beethoven dejó Bonn para dirigirse a Viena por segunda vez en Noviembre de 1792, para poder estudiar con Franz Joseph Haydn.
En 1794 fuerzas francesas tomaron Renania; consecuentemente los nexos con y el soporte de la corte de Bonn llegaron a su fin. Su padre había muerto un mes después de su salida de Bonn, en 1794, y en 1795 sus dos hermanos se reunieron con él en Viena. Permaneció ahí por el resto de su vida, saliendo sólo por celebraciones de verano largas alrededor de las fronteras del país, y en sus primeros años, para conciertos ocasionales en ciudades cercanas. Sus únicos viajes extensos fueron a Praga, Dresden y Berlín en 1796.
A los 12 años es ya un gran intérprete, tanto con el piano como con el órgano, tocando la viola en la orquesta del archiduque. Ayudado por su profesor y por algunos aristocráticos personajes, pudo viajar a Viena en 1787, donde la leyenda cuenta que tocó para Mozart, genio indiscutible del momento, quien, asombrado, dijo: «Fijaos en este hombre... dará que hablar al mundo». Pero Ludwig tiene que regresar a Bonn: su madre había muerto y su padre sólo vivía para el alcohol. Tiene que ocupar el puesto del cabeza de familia, trabajando durante cinco años, dedicando cualquier rato libre al estudio y a la composición.
Beethoven nunca mantuvo una posición oficial en Viena. Se mantenía a sí mismo dando conciertos, enseñando piano, e incrementadamente a través de las ventas de sus composiciones. Los miebros de la aristocracia Vienesa fueron sus patrones seguros, y en 1809 tres de ellos---El Príncipe Kinsky, el Príncipoe Lobkowitz, y el Archiduque Rodolfo--le llegaron a garantizar un ingreso anual con la única condición de que se quedara en Viena.
Ludwig Van Beethoven, fue de los grandes maestros de la música, Beethoven fue admirado por sus trabajos instrumentales, incluyendo sinfonías, conciertos, sonatas, y música de cámara.
En 1787 Beethoven fué enviado a Viena, pero su madre cayó enferma, y tuvo que volver a Bonn casi inmediatamente. Ella murió unos meses después, y en 1789 el mismo Beethoven pidió que su padre alcohólico se retirara, un hecho que lo dejó responsable por sus hermanos menores Caspar Carl y Nikolaus Johann. Beethoven dejó Bonn para dirigirse a Viena por segunda vez en Noviembre de 1792, para poder estudiar con Franz Joseph Haydn.
En 1794 fuerzas francesas tomaron Renania; consecuentemente los nexos con y el soporte de la corte de Bonn llegaron a su fin. Su padre había muerto un mes después de su salida de Bonn, en 1794, y en 1795 sus dos hermanos se reunieron con él en Viena. Permaneció ahí por el resto de su vida, saliendo sólo por celebraciones de verano largas alrededor de las fronteras del país, y en sus primeros años, para conciertos ocasionales en ciudades cercanas. Sus únicos viajes extensos fueron a Praga, Dresden y Berlín en 1796.
A los 12 años es ya un gran intérprete, tanto con el piano como con el órgano, tocando la viola en la orquesta del archiduque. Ayudado por su profesor y por algunos aristocráticos personajes, pudo viajar a Viena en 1787, donde la leyenda cuenta que tocó para Mozart, genio indiscutible del momento, quien, asombrado, dijo: «Fijaos en este hombre... dará que hablar al mundo». Pero Ludwig tiene que regresar a Bonn: su madre había muerto y su padre sólo vivía para el alcohol. Tiene que ocupar el puesto del cabeza de familia, trabajando durante cinco años, dedicando cualquier rato libre al estudio y a la composición.
Beethoven nunca mantuvo una posición oficial en Viena. Se mantenía a sí mismo dando conciertos, enseñando piano, e incrementadamente a través de las ventas de sus composiciones. Los miebros de la aristocracia Vienesa fueron sus patrones seguros, y en 1809 tres de ellos---El Príncipe Kinsky, el Príncipoe Lobkowitz, y el Archiduque Rodolfo--le llegaron a garantizar un ingreso anual con la única condición de que se quedara en Viena.
Ludwig Van Beethoven, fue de los grandes maestros de la música, Beethoven fue admirado por sus trabajos instrumentales, incluyendo sinfonías, conciertos, sonatas, y música de cámara.
miércoles, 4 de febrero de 2009
Compositor
Un compositor es alguien que compone música, es decir que crea música.
El nivel de distinción entre compositor y otro tipo de música también varía, lo que afecta situaciones tales como el derecho de autor y la diferencia dada hacia interpretaciones individuales de una particular pieza de música. Por ejemplo, en el desarrollo de la música clásica, la función de componer música en un inicio no tuvo la importancia que tenía la ejecución. El conservar las composiciones individuales recibió poca atención, y los músicos generalmente no tenían reparos en modificar sus obras para la ejecución. Con el tiempo, sin embargo, la notación escrita del compositor ha llegado a dar instrucciones muy estrictas, que los ejecutantes no deberán abandonar sin una buena razón. Este criterio, por otro lado, podría considerarse en algunos casos como muy "purista". Por ello, el papel del compositor fue haciéndose cada vez más importante, unido generalmente a su prestigio como intérprete: en el clasicismo fue adquiriendo una creciente importancia. Con el romanticismo, el compositor se convirtió en un personaje casi mítico - casi un gurú -, el ejemplo más destacado es Ludwig van Beethoven.
El término "compositor" es también usado específicamente para referirse al compositor en la Tradición Occidental de la música clásica, como así también en la música de cine, de videojuegos y cualquier otro tipo de música compositivamente "seria". En la música popular el compositor puede interpretar en algún instrumento musical su música como el caso de compositor pianista peruano Juan Carlos Vélez y suele ser el propio intérprete de sus creaciones, en cuyo caso se lo denomina compositor interprete y en otros casos si la canción la canta siendo el creador de la melodía es cantautor, u otras veces simplemente músico.
El nivel de distinción entre compositor y otro tipo de música también varía, lo que afecta situaciones tales como el derecho de autor y la diferencia dada hacia interpretaciones individuales de una particular pieza de música. Por ejemplo, en el desarrollo de la música clásica, la función de componer música en un inicio no tuvo la importancia que tenía la ejecución. El conservar las composiciones individuales recibió poca atención, y los músicos generalmente no tenían reparos en modificar sus obras para la ejecución. Con el tiempo, sin embargo, la notación escrita del compositor ha llegado a dar instrucciones muy estrictas, que los ejecutantes no deberán abandonar sin una buena razón. Este criterio, por otro lado, podría considerarse en algunos casos como muy "purista". Por ello, el papel del compositor fue haciéndose cada vez más importante, unido generalmente a su prestigio como intérprete: en el clasicismo fue adquiriendo una creciente importancia. Con el romanticismo, el compositor se convirtió en un personaje casi mítico - casi un gurú -, el ejemplo más destacado es Ludwig van Beethoven.
El término "compositor" es también usado específicamente para referirse al compositor en la Tradición Occidental de la música clásica, como así también en la música de cine, de videojuegos y cualquier otro tipo de música compositivamente "seria". En la música popular el compositor puede interpretar en algún instrumento musical su música como el caso de compositor pianista peruano Juan Carlos Vélez y suele ser el propio intérprete de sus creaciones, en cuyo caso se lo denomina compositor interprete y en otros casos si la canción la canta siendo el creador de la melodía es cantautor, u otras veces simplemente músico.
martes, 3 de febrero de 2009
Elementos de la musica
La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).
• La melodía es una sucesion organizada de notas de tono y duracion especifica, enlazadas junto con el tiempo para producir una exprecion musical coherente. En caso de la musica occidental, la melodia es junto con el ritmo el aspecto horizontal de la musica que avansa con el tiempo mientras que la vertical el sonido es simultaneo de tonos distintus.
Un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denominan contrapunto.
• La armonía, se emplea tanto en el sentido gneral de un conjunto de notas o sonidos que suenan al mismo tiempo, como en el de la sucesión de estos conjuntos de sonidos, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
La armonia seria el termino contrapuesto al de melodia en que los sonidos se emiten uno después de otro. Cuando dos o mas notas aparecen al mismo tiempo en cualquier composición musical se produce un tipo característico de armonia.
• La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.
• El ritmo, Aspectos de la musica que tratan sobre su movimiento en el tiempo y sobre la estructura del mismo y es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos.
• La melodía es una sucesion organizada de notas de tono y duracion especifica, enlazadas junto con el tiempo para producir una exprecion musical coherente. En caso de la musica occidental, la melodia es junto con el ritmo el aspecto horizontal de la musica que avansa con el tiempo mientras que la vertical el sonido es simultaneo de tonos distintus.
Un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denominan contrapunto.
• La armonía, se emplea tanto en el sentido gneral de un conjunto de notas o sonidos que suenan al mismo tiempo, como en el de la sucesión de estos conjuntos de sonidos, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
La armonia seria el termino contrapuesto al de melodia en que los sonidos se emiten uno después de otro. Cuando dos o mas notas aparecen al mismo tiempo en cualquier composición musical se produce un tipo característico de armonia.
• La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.
• El ritmo, Aspectos de la musica que tratan sobre su movimiento en el tiempo y sobre la estructura del mismo y es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos.
domingo, 1 de febrero de 2009
Cultura y música
Violinista en la catedral de Dublín
Todas las culturas tienen manifestaciones musicales. Incluso se ha demostrado que las ballenas se comunican gracias a un lenguaje sonoro que podríamos llamar musical, al igual que la mayoría de las aves, lo que sugiere un posible origen filogenético común.
La música está ligada a un grupo social y a sus acontecimientos, y es expresión de éstos últimos. Estos acontecimientos no son universales; por tanto no podemos decir que la música sea universal, por lo menos en cuanto a su contenido, significado e interpretación. Por ejemplo, es probable que las obras de Mozart carezcan de sentido musical para un indígena, quien entiende la música a partir estructuras psíquicas diferentes a las del mundo occidental.
Muchos piensan en cambio, que la música si es un lenguaje universal, puesto que varios de sus elementos, como, la melodía, la métrica, y especialmente la harmonía ( relación entre las frecuencias de las diversas notas de un acorde ) son el resultado de un orden y unas determinadas proporciones matematicas ( hecho que ya fue puesto de relieve por Pitágoras ), y, que los humanos, en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados para percibir como bello dicho orden matemático.
El compositor (creador de música) delega en el intérprete (emisor) la ejecución de sus obras. que en ocasiones transmiten en la música determinados hechos y sentimientos a través de una secuencia de sonidos. También existen culturas musicales que no tienen en cuenta la separación occidental entre creador/intérprete, ya que la música es improvisada principalmente.
Todas las culturas tienen manifestaciones musicales. Incluso se ha demostrado que las ballenas se comunican gracias a un lenguaje sonoro que podríamos llamar musical, al igual que la mayoría de las aves, lo que sugiere un posible origen filogenético común.
La música está ligada a un grupo social y a sus acontecimientos, y es expresión de éstos últimos. Estos acontecimientos no son universales; por tanto no podemos decir que la música sea universal, por lo menos en cuanto a su contenido, significado e interpretación. Por ejemplo, es probable que las obras de Mozart carezcan de sentido musical para un indígena, quien entiende la música a partir estructuras psíquicas diferentes a las del mundo occidental.
Muchos piensan en cambio, que la música si es un lenguaje universal, puesto que varios de sus elementos, como, la melodía, la métrica, y especialmente la harmonía ( relación entre las frecuencias de las diversas notas de un acorde ) son el resultado de un orden y unas determinadas proporciones matematicas ( hecho que ya fue puesto de relieve por Pitágoras ), y, que los humanos, en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados para percibir como bello dicho orden matemático.
El compositor (creador de música) delega en el intérprete (emisor) la ejecución de sus obras. que en ocasiones transmiten en la música determinados hechos y sentimientos a través de una secuencia de sonidos. También existen culturas musicales que no tienen en cuenta la separación occidental entre creador/intérprete, ya que la música es improvisada principalmente.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
